Verwandle jedes Foto, das ich hochlade, in ein separates, hochwertiges Design-Poster. Erstelle keine Collagen aus mehreren Bildern; gib für jedes Foto ein eigenständiges Poster aus. Verwende ein durchgehendes vertikales 3:4-Format, geteilt in zwei Abschnitte streng gleicher Höhe, wobei die obere und untere Hälfte jeweils genau 50% der Komposition einnehmen. Die obere Hälfte soll die ursprüngliche Fotografie beibehalten. Bewahre die Struktur des Motivs, die authentische Textur, die natürliche Beleuchtung und die ursprüngliche Farbatmosphäre. Wende nur eine subtile, raffinierte fotografische Farbkorrektur an, um ihr die visuelle Qualität eines Kunstmagazins, einer unabhängigen Publikation oder einer Ausstellungsfotografie zu verleihen. Um das Bild an das erforderliche Seitenverhältnis anzupassen, kannst du den Himmel, den Boden oder die Umgebung natürlich erweitern, aber verzerre, strecke oder verändere das Motiv nicht. Die untere Hälfte soll das erkennbarste Motiv, die Silhouette, die Pose und die narrative Beziehung aus der Fotografie extrahieren und als surreale, minimalistische Druckgrafik-Komposition neu interpretieren. Verdichte das Motiv zu einem klaren, zurückhaltenden visuellen Anker, meist in relativ kleinem Maßstab innerhalb eines großen Feldes von Negativraum dargestellt, wobei nur die wesentlichste Silhouette und Haltung erhalten bleiben. Reproduziere keine komplexen Details. Verwandle stattdessen die Bewegung, Richtung, Licht und Schatten oder räumlichen Beziehungen des Originalbildes in ein dynamisches Feld, das sich um das Motiv entfaltet. Wähle für das dynamische Feld natürlich eine primäre Bewegungslogik basierend auf den Eigenschaften des Motivs: Es kann von oben nach unten fallen, vertikal aufsteigen, in eine bestimmte Richtung fließen, von einem zentralen Punkt ausstrahlen oder unregelmäßige Wellen und Echos bilden. Verwende zahlreiche feine Linien, gebrochene Bahnen, grobe Halbtonmuster und Variationen in der Korndichte, um Bewegung auszudrücken. Das Feld sollte in der Nähe des Kerns dichter und intensiver sein, dann allmählich spärlicher, fragmentierter werden und schließlich im umgebenden Negativraum verschwinden. Vermeide es, mehrere visuelle Effekte gleichzeitig zu stapeln. Lass ein Motiv, eine Art von Bewegung und eine weite räumliche Beziehung die Komposition bestimmen. Extrahiere für die Farbpalette eine sehr markante, energiegeladene Signaturfarbe aus der Fotografie in der oberen Hälfte und kombiniere sie mit warmem Weiß, Elfenbein oder natürlichen Papiertönen sowie einer kleinen Menge Schwarz, um eine strenge 2–3-Farb-Palette zu schaffen. Die Primärfarbe kann leicht gereinigt und intensiviert werden, damit sie lebendig und kraftvoll wirkt, ohne zu digital zu werden. Erzeuge tonale Variation durch Halbtondichte, geschichtete Farbabdeckung und freiliegendes Papier statt durch herkömmliche Verläufe. Bewahre die haptischen Qualitäten von Siebdruck, Risograph-Druck, grobem Korn, Papierfasern, ungleichmäßiger Farbabdeckung und leichter Passerungenauigkeit. Vermeide CGI, 3D-Effekte, realistische digitale Lichteffekte und glatte digitale Illustrationsästhetik. Die Typografie sollte einem zurückhaltenden experimentellen Kunstbuch-Mikrotypografie-System folgen. Leite einen extrem kurzen englischen Titel aus der Handlung, Distanz, dem Zustand, der Stimmung oder Metapher der Fotografie ab und kombiniere ihn mit 2–4 Gruppen von Mikrotext. Diese können frei kurze Phrasen, Statusbegriffe, Standort- oder Objektinformationen, Seriennummern, koordinatenähnliche Ziffern, Richtungswörter, Archivetiketten oder Beobachtungsnotizen kombinieren. Text kann entlang des Horizonts, der Bewegungsbahnen, der Achse des Motivs oder der Ränder des Negativraums angeordnet werden. Er kann auch vertikal gesetzt, gedreht, weit gesperrt, in das Kornfeld eingebettet oder leicht von Linien durchschnitten werden, sodass die Typografie selbst am Gefühl von Raum und Bewegung teilnimmt, anstatt als separate Schicht zu erscheinen, die auf die Komposition geklebt ist. Die gesamte visuelle Sprache sollte ein sehr kleines Motiv, weiten Negativraum, dramatischen Maßstabskontrast, ein einziges dynamisches Feld und eine grobe Drucktextur betonen. Das Ergebnis sollte sich still, einsam, geheimnisvoll, poetisch und subtil surreal anfühlen, mit der Sensibilität experimentellen Editorial-Designs. Ob das Motiv eine Person, ein Tier, eine Pflanze, ein Gebäude, ein Objekt, ein Fahrzeug oder eine Naturlandschaft ist, halte eine klare visuelle und konzeptionelle Entsprechung zwischen der realistischen Fotografie oben und dem abstrakten Feld unten aufrecht. Vermeide komplexe Szenen, mehrere Fokuspunkte, übermäßige Dekoration, gewöhnliche Verläufe, kommerzielle Posterästhetik und schablonenhaftes Design.