Verwandle jedes von mir hochgeladene Foto in ein eigenständiges, hochwertiges Design-Poster; keine Collage aus mehreren Bildern, jedes Foto wird separat ausgegeben. Verwende eine vertikale 3:4-Komposition, wobei die beiden Bereiche (oben und unten) streng im Höhenverhältnis 1:1 stehen und jeweils 50 % des Bildes einnehmen. Die obere Hälfte behält das Originalfoto, bewahrt die Struktur des Motivs, die reale Textur, natürliches Licht und Schatten sowie die ursprüngliche Farbatmosphäre, mit nur einer leichten hochwertigen fotografischen Farbgebung, sodass es die Qualität einer Kunstzeitschrift und einer Ausstellungsfotografie erhält. Zur Anpassung an das Format können Himmel, Boden oder Umgebungshintergrund natürlich erweitert werden, doch das Motiv darf nicht gedehnt, verzerrt oder verändert werden. Die untere Hälfte extrahiert das erkennbarste **Motiv, die Kontur, die Pose und die narrative Beziehung** aus dem Foto, komprimiert die komplexe Information zu einem einzigen visuellen Anker und rekonstruiert sie als minimalistisches Siebdruck- und Halbton-Poster. Zeichne das Foto nicht nach und füge keine reichen illustrativen Details hinzu; behalte nur die wichtigste Form, Aktion oder räumliche Beziehung, sodass das Motiv mit minimaler Information noch auf einen Blick erkennbar ist. Die Komposition folgt „**ein Motiv, eine Richtung, eine räumliche Beziehung**“. Das Motiv bleibt meist in kleinem Maßstab, wobei große weiße Flächen ein Gefühl von Distanz und Poesie erzeugen; wähle je nach Beziehung des Originalbilds nur eine natürlichste Struktur: horizontale Ausdehnung, vertikale Verlängerung, isolierte Schwebe, Auflösung nach außen oder Tiefe von hell zu dunkel, ohne mehrere Kompositionstechniken gleichzeitig zu verwenden. Man kann eine Horizontlinie, eine Grenze, einen Schatten oder ein Halbtonband nutzen, um Raum zu schaffen, sodass die Leere selbst der Hauptbestandteil des Bildes wird. Die Farbgebung kopiert nicht direkt das Foto, sondern extrahiert aus dem Originalbild die gesamte Farbtemperatur, Helligkeit und Stimmung und ordnet sie zu einem begrenzten Sonderfarbsystem aus **Papiergrundfarbe + Hauptdruckfarbe + Nebelschichtfarbe** neu. Verwende Cremeweiß, Warmgrau oder natürliche Papierfarbe für die großen weißen Flächen, eine ruhige und gewichtige Synthesefarbe als Hauptdruckfarbe und eine hellere, grauere Farbe derselben Familie für Luft, Distanz oder Schichtung. Halte insgesamt 2–3 Farben, baue Schichten über Farbfläche, Helligkeit und Halbtondichte auf und erlaube einen minimalen Farbtupfer nur bei klarer narrativer Bedeutung. Alle Nebel, Distanzen, Schatten, Auflösungen und räumlichen Übergänge nutzen **Halbtonpunkte, die von dicht zu spärlich natürlich verschwinden**, keine digitale Unschärfe und keinen gewöhnlichen Verlauf. Bewahre Papierkorn, Siebdruckfarbe, leichte Passerabweichung und ungleichmäßigen Farbauftrag, sodass das Bild wie eine echte, auf altem Papier gedruckte Kunstgrafik wirkt. **Bewahre ein kleines dekoratives Textsystem mit hochwertigem editorialem Gefühl.** Beschränke dich nicht auf Ortsnamen; generiere sehr kurze englische Titel aus Thema, Stimmung, Zeit, Aktion, Materialität, Distanz oder Metapher des Fotos, ergänzt durch Mikro-Nebentext, Nummerierung, Jahr, Kapitelnummer, koordinatenartige Zahlen, Archivmarkierungen oder einen dezenten englischen Satz. Der Text darf leicht abstrakt, literarisch und kuratorisch im Ton sein, ohne das Bild vollständig zu erklären, etwa zu Konzepten wie „Distanz, Stillstand, Vorbeigehen, Echo, Grenze, Zeit, Licht, Spur“, sodass er wie eine redaktionelle Anmerkung in einem Kunstbuch, einer Architekturzeitschrift oder einer unabhängigen Ausstellung wirkt. Der Text selbst muss an der Komposition teilhaben und nicht nachträglich auf die weiße Fläche geklebt werden. Kleine Schrift kann sich **entlang der Horizontlinie ausrichten, der Motivkontur folgen, zu einer vertikalen visuellen Achse werden, die Halbtongrenze überqueren, sich in der Negativform verbergen oder mit dem Motiv Beziehungen von Verdeckung, Verflechtung, Unterbrechung und Ausrichtung eingehen**; Rhythmus lässt sich auch durch feinste vertikale Linien, kurze Striche, Nummerierung, seitenzahlartige Symbole und große weiße Flächen erzeugen. Ein Wort darf getrennt, vertikal gesetzt, gesperrt oder teilweise von einer Grafik verdeckt werden, doch die Leseordnung bleibt stets erhalten. Die Texthierarchie bleibt zurückhaltend: **ein sehr kurzer Haupttitel + 1–3 Gruppen sehr kleinen Hilfstexts**. Die Schriften orientieren sich an hochwertigen Kunstpublikationen und modernistischem editorialem Design, verwenden zurückhaltende Serifenlose, sanfte Serifen oder minimalistische Schmalschriften und schaffen Raffinesse durch extreme Größenkontraste, weite Sperrung, feine Strichstärke, Hoch-/Tiefstellung, Kapitälchen und asymmetrisches Layout. Die Textfarbe ist mit der Hauptdruckfarbe oder der Nebelfarbe vereinheitlicht, kann leichte Passerverschiebung und Farbkorn haben, sodass Text und Grafik zum selben Druck gehören und nicht zu einer digitalen Überlagerungsebene. Das Ganze strebt **sehr wenige Elemente, riesigen Weißraum, ein minimales Motiv, starke Ordnung und einen subtilen, klugen Texteingriff** an und zeigt etwas Stilles, Einsames, Weites, Zurückhaltendes, Poetisches, Intellektuelles und Sammelwürdiges. Vermeide komplexe Kompositionen, mehrere Blickpunkte, sinnlose Verzierungen, große Titel, die das Bild erdrücken, kommerzielle Werbetexte, gewöhnliche Verläufe, billige Retro-Filter und Vorlagenhaftigkeit.