Transforme chacune des photos que j'ai importées en une affiche de design raffinée et indépendante ; pas de collage de plusieurs images, chaque photo est produite séparément. Utilise une composition verticale 3:4, les deux zones (haut et bas) étant rigoureusement dans un rapport de hauteur 1:1, occupant chacune 50 % de l'image. La moitié supérieure conserve la photo originale, en préservant la structure du sujet, la texture réelle, la lumière et les ombres naturelles et l'atmosphère de couleur d'origine, avec seulement un léger étalonnage photographique raffiné, lui conférant la qualité d'un magazine d'art et d'une photographie d'exposition. Pour s'adapter au format, on peut étendre naturellement le ciel, le sol ou l'arrière-plan de l'environnement, mais sans étirer, déformer ni altérer le sujet. La moitié inférieure extrait le **sujet, le contour, la posture et la relation narrative** les plus reconnaissables de la photo, comprimant l'information complexe en un unique point d'ancrage visuel, reconstruit en affiche de sérigraphie minimaliste et d'impression en trame. Ne décalque pas la photo et n'ajoute pas de détails illustratifs riches ; ne conserve que la forme, l'action ou la relation spatiale la plus essentielle, afin que le sujet reste reconnaissable d'un coup d'œil avec un minimum d'information. La composition suit « **un sujet, une direction, une relation spatiale** ». Le sujet reste généralement à petite échelle, de vastes zones d'espace blanc créant une sensation de distance et de poésie ; selon la relation de l'image d'origine elle-même, choisis une seule structure la plus naturelle : extension horizontale, prolongement vertical, suspension isolée, dissipation vers l'extérieur ou profondeur du clair au foncé, sans employer plusieurs techniques de composition en même temps. On peut utiliser une ligne d'horizon, une bordure, une ombre ou une bande de trame pour établir l'espace, en laissant le vide lui-même devenir le composant principal de l'image. La palette ne copie pas directement la photo, mais extrait de l'image d'origine la température de couleur, la luminosité et l'émotion globales, en les réorganisant en un système limité de couleurs d'accompagnement : **couleur de fond du papier + couleur d'encre principale + couleur de la couche de brume**. Utilise du blanc crème, du gris chaud ou une couleur naturelle de papier pour les vastes zones blanches, une couleur de synthèse sereine et pesante comme encre principale, et une couleur plus claire et plus grise de la même famille pour rendre l'air, la distance ou les couches. Limite le tout à 2–3 couleurs, en établissant les couches par surface de couleur, luminosité et densité de trame, en n'autorisant un minuscule point de couleur que lorsqu'il y a un sens narratif clair. Toute la brume, la distance, les ombres, la dissipation et les transitions spatiales utilisent des **points de trame qui disparaissent naturellement du dense au clairsemé**, sans flou numérique ni dégradé ordinaire. Préserve le grain du papier, l'encre sérigraphique, le léger décalage de repérage et l'encrage irrégulier, afin que l'image ressemble à une véritable estampe d'art imprimée sur du vieux papier. **Conserve un petit système de texte décoratif au raffinement éditorial.** Ne te limite pas aux noms de lieux ; génère de très courts titres en anglais à partir du thème, de l'émotion, du temps, de l'action, de la matière, de la distance ou de la métaphore de la photo, accompagnés d'un micro-texte secondaire, d'une numérotation, d'une année, d'un numéro de chapitre, de chiffres de type coordonnées, de marquages d'archives ou d'une phrase anglaise discrète. Le texte peut être un peu abstrait, littéraire et d'un ton curatorial, sans expliquer entièrement l'image, par exemple autour de concepts comme « distance, immobilité, passage, écho, frontière, temps, lumière, trace », afin qu'il ressemble à une note éditoriale d'un livre d'art, d'une revue d'architecture ou d'une exposition indépendante. Le texte lui-même doit participer à la composition, et non être collé sur l'espace blanc en post-production. Les petites lettres peuvent **s'aligner sur la ligne d'horizon, épouser le contour du sujet, devenir un axe visuel vertical, franchir la limite de la trame, se cacher dans la forme négative, ou entretenir avec le sujet des relations d'occlusion, d'entrelacement, de rupture et d'alignement** ; on peut aussi établir un rythme par de très fines lignes verticales, de courts tirets, une numérotation, des symboles évoquant des numéros de page et de vastes zones blanches. Un mot peut être séparé, disposé verticalement, avec un interlettrage élargi ou partiellement masqué par un graphisme, mais en gardant toujours l'ordre de lecture. La hiérarchie du texte reste sobre : **un titre principal très court + 1–3 groupes de texte auxiliaire très petit**. Les polices s'inspirent des publications d'art raffinées et du design éditorial moderniste, en utilisant des sans-serif sobres, des serifs douces ou des caractères étroits minimalistes, créant du raffinement par des contrastes de taille extrêmes, un large interlettrage, une graisse fine, des exposants/indices, des petites capitales et une mise en page asymétrique. La couleur du texte est unifiée avec l'encre principale ou la couleur de la brume, pouvant présenter un léger décalage de repérage et du grain d'encre, afin que texte et graphisme appartiennent à la même impression, et non à une couche numérique superposée. L'ensemble recherche **très peu d'éléments, un immense espace blanc, un sujet minimal, un ordre puissant et une intervention textuelle subtile et intelligente**, présentant quelque chose de silencieux, solitaire, vaste, sobre, poétique, intellectuel et digne de collection. Évite les compositions complexes, les foyers multiples, les ornements sans sens, les grands titres qui écrasent l'image, les textes publicitaires commerciaux, les dégradés ordinaires, les filtres rétro bon marché et l'effet de gabarit.