À partir de l'image de peinture classique chinoise téléversée par l'utilisateur, créez une photographie de niveau collection, réellement existante et capturée par un photographe d'élite. N'interprétez pas la tâche comme « peindre la peinture en photo », ni ne prolongez le style superficiel de l'encre, de la peinture minutieuse, de la fresque ou de l'image religieuse ; considérez la peinture ancienne comme un raffinement, une sélection, une compression et une recomposition du monde réel par le créateur ancien, et restaurez à rebours la scène qu'il a réellement vue : comme si, à cette époque, il y avait eu un appareil photo, cette scène aurait été ainsi captée. L'œuvre finale doit avoir l'achèvement d'une image cinématographique digne d'un Oscar : tel un réalisateur hollywoodien oscarisé qui, avec un jugement visuel suprême, coordonne récit, composition, rythme, atmosphère, lumière, décor et langage de caméra ; et comme si la photographie de cinéma d'élite, le contrôle de la lumière naturelle, la création de décor historique, costume/maquillage/accessoires, scénographie et système d'étalonnage servaient tous le même objectif d'image, formant une texture cinématographique digne de récompense. Mais ce n'est que la norme créative en coulisses et la hauteur esthétique ; il ne doit jamais apparaître dans l'image d'éléments modernes de plateau, réalisateur, photographe, éclairagiste, équipe, caméra, pieds d'éclairage, rails, réflecteurs, moniteurs, traces de décor moderne ni sensation de studio artificiel. L'image doit paraître un lieu historique réel capté par une caméra de cinéma d'élite, non une équipe moderne en tournage. Comprenez d'abord vraiment l'œuvre originale. Identifiez en priorité titre, colophons, signature, sceaux, inscriptions et textes visibles, et jugez le sujet en combinant motifs traditionnels, ordre compositionnel, relations entre objets et contexte de l'image, sans supposer d'après le seul contour superficiel. Face aux œuvres en style libre, encre versée, sans contour (mogu), abstraites, partielles ou très synthétisées, confirmez d'abord l'objet et la scène réels qu'elles désignent dans la tradition de la peinture chinoise, pour éviter une erreur de sujet. Après l'ancrage du sujet, entrez dans la restauration de la « réalité d'origine », non dans la continuation du « style pictural ». Ne copiez pas les coups de pinceau, ne conservez pas la sensation de papier, de rouleau, la texture d'encre ou la forme plate comme peau visuelle ; restaurez montagnes, végétation, nuages et eau, fleurs et oiseaux, figures, ustensiles, architecture, climat, heure, espace et distance réellement existants. Pinceau, couleur, espace vide, rythme et résonance spirituelle de l'original ne sont pas le style final lui-même, mais des indices pour trouver la scène réelle. Préservez la structure spirituelle la plus centrale de l'œuvre : relations entre objets, centre visuel, densité et dispersion, distribution du plein et du vide, respiration du vide, proportion de calme et de mouvement, et la direction de « esprit, énergie, os, élan » ; mais ne copiez pas mécaniquement le contour. Partez de « comment ce sujet existerait à l'origine dans la réalité », puis contraignez la génération de l'image par l'ordre de la peinture ancienne. L'image finale ne doit pas seulement restaurer, mais devenir une œuvre d'une véritable hauteur esthétique photographique et cinématographique : avec un noyau visuel clair, intense, inoubliable, avec lumière, couleur, air, action ou posture ne tenant qu'en cet instant, avec une mise en scène de niveau réalisateur et des angles, distances, choix et regard activement sélectionnés par le photographe, plutôt qu'une restauration moyenne, plate, correcte mais médiocre. Le sens cinématographique de l'image doit venir de l'intérieur du monde réel, non de filtres bon marché ou d'effets exagérés. Le décor doit paraître rigoureusement élaboré par un système d'art de cinéma historique d'élite : relief, architecture, végétation, ustensiles, étoffes, routes, force de l'eau, fumée, poussière, saison et marques d'époque tous naturels et crédibles ; chaque détail sert le sujet, l'espace et l'émotion, n'accumule pas l'ornement. La sensation de décor doit être cachée dans le réalisme, comme un monde ancien qui a toujours existé, non un studio monté. Dès que des figures, formes humaines, Bouddha, bodhisattvas, arhats, immortels, serviteurs, jeunes garçons, moines, dames, lettrés, etc. apparaissent comme sujets, sauf si l'original représente clairement une sculpture, un modelage en terre, une gravure sur pierre, une statue dorée, une statue votive ou autre statue physique, restaurez-les en priorité comme de vraies personnes vivantes, non avec une sensation de céramique, terre, jade, bois sculpté, métal, fresque ou image sacrée plate. Les figures doivent avoir peau, ossature, volume, étoffe, expression, posture, sensation de respiration, occupation de l'espace et relation naturelle à la lumière réelles ; action, geste, regard, centre de gravité, plis du vêtement et usage des accessoires doivent correspondre au contexte de l'œuvre et à la logique de la vie réelle, sans pose rigide, sans ressembler à un modèle ou une poupée. Si l'œuvre relève vraiment de la statuaire, restaurez-la fidèlement comme entité sculpturale réelle, montrant matériau, volume, marques d'époque et lumière ambiante. La couleur doit être rehaussée en priorité. Ne prenez pas la couleur peinte par l'artiste comme unique réponse, ni ne faites qu'une couleur naturelle ordinaire. Pour les couleurs explicites, comprenez ce qu'elles soulignent ; pour les couleurs non explicitement peintes, restaurez activement leur logique latente. La couleur de l'original n'est que la base, non la limite. Partez du monde réel et reconstruisez les relations chromatiques que la scène devrait avoir, en intégrant la présentation de la photographie moderne d'élite, du système optique cinématographique et de l'étalonnage de niveau Oscar : meilleure plage dynamique, séparation des couleurs plus nette, transitions chaud-froid plus subtiles, couches intermédiaires plus riches, couleur de l'air plus translucide, contrôle de saturation plus retenu et raffiné. Laissez lumière-couleur, couleur des objets, couleur ambiante et couleur de l'air du monde réel nourrir mutuellement la conscience chromatique de la peinture chinoise, afin que l'image soit fidèle à l'esprit original et possède une expressivité chromatique d'une dimension supérieure. La couleur ne peut manquer, être rigide, sale-grisâtre, étouffée ni un magma sombre ; elle doit être limpide, translucide, vive, subtile, respirante, en couches, comme le monde capté par caméra et objectifs de cinéma de haute qualité : noirs propres, hautes lumières nettes, pureté de couleur élevée sans vulgarité, air transparent, progression en couches, ensemble net sans être mince. La lumière doit devenir la création centrale de l'image. Ne laissez pas l'image fade au seul motif que l'original n'a pas clairement dessiné la lumière ; et n'utilisez pas d'éclairage dramatique dur, exagéré, de studio. Selon le sujet, le tempérament, la sensation d'heure, la température, le rapport de mouvement et le centre spirituel de l'œuvre, cherchez activement la lumière naturelle de niveau cinématographique la plus adaptée : peut-être lumière fine du matin, lueur du crépuscule, lumière diffuse après la pluie, lumière à travers la brume, reflet sur l'eau, réverbération de la neige, lumière latérale de fenêtre, lumière filtrée entre les arbres, lumière sombre de salle, ou lumière douce filtrée par l'air. La lumière doit paraître conçue et contrôlée au plus haut niveau, mais finalement totalement dissimulée en lumière naturelle du lieu ; pas forcément intense, mais forcément magistrale ; pas forcément bruyante, mais avec direction, couches et respiration, capable de modeler le volume, réveiller les matières, établir l'espace, guider le regard, soutenir le sujet et former une véritable tension émotionnelle raffinée. La bonne photographie et la bonne image de cinéma n'acceptent pas une lumière médiocre. Le réalisme doit venir d'un plateau photographique crédible : air, humidité, température, reflet, réfraction, matière, profondeur de champ, distance, microparticules, atténuation de bord et couches de détail tenant ensemble. Le langage de caméra doit avoir un sens de choix cinématographique : hauteur de caméra adaptée, compression de focale ou déploiement d'espace, rapport des plans avant/médian/arrière, contrôle de profondeur, mise en scène du sujet, point de chute de la lumière et conduite du regard, tout au service de la structure spirituelle de l'œuvre. Évitez la sensation de spécimen sur fond blanc, la flottaison, l'aspect CG, le plastique, la saleté, la décrépitude grisâtre, le faux HDR, la fausse profondeur, la surnetteté, les filtres d'influenceur, le faux style ancien bon marché, l'art conceptuel de jeu et l'air de photo promotionnelle touristique. L'image doit être nette, translucide, agréable à regarder, d'un achèvement raffiné, non sale, floue ni faussement profonde. S'il y a des colophons, inscriptions, signature, sceaux ou款 dans l'original, préservez-les autant que possible et réintégrez-les dans l'image finale. Préservez en priorité le contenu lisible, le sens d'écriture, la relation de position et l'atmosphère d'ensemble ; si l'identification complète est impossible, prolongez la structure, l'espace vide et le caractère de la signature lettrée, pour qu'ils paraissent une partie naturellement signée après l'achèvement de l'œuvre, coexistant avec l'image photographique, non un ornement durement superposé en post-production. Ne préservez aucun filigrane moderne, logo d'encyclopédie, logo de site, QR code, signature moderne ni texte sans rapport. Le ratio de l'image suit par défaut le ratio de l'original, pour préserver la respiration, l'ordre et le centre de la composition originale ; si l'utilisateur a une exigence claire de ratio, donnez priorité à l'exigence de l'utilisateur. L'objectif final n'est pas « une photographie qui ressemble à une peinture chinoise », ni « une illustration à l'encre réaliste », mais une œuvre qui restaure véritablement le monde devant les yeux du créateur ancien, tout en étant sublimée par une conscience de réalisateur de niveau Oscar, une photographie de cinéma d'élite, la création de décor historique, le contrôle de la lumière naturelle et une esthétique optique moderne haut de gamme : réelle, translucide, subtile, retenue, crédible, avec une lumière non médiocre, une couleur non médiocre, une sensation d'air limpide, un point de mémoire marquant, une tension narrative cinématographique et un achèvement de collection, comme si la réalité derrière la peinture ancienne était enfin revue et, pour la première fois, photographiée de la meilleure façon.