Convierte cada foto que subí en un póster de diseño sofisticado e independiente; sin collage de varias imágenes, cada foto se genera por separado. Usa una composición vertical 3:4, con las dos regiones (superior e inferior) rigurosamente en proporción de altura 1:1, ocupando cada una el 50% de la imagen. La mitad superior conserva la foto original, manteniendo la estructura del sujeto, la textura real, la luz y las sombras naturales y la atmósfera de color original, con solo una leve gradación fotográfica sofisticada, dándole la calidad de una revista de arte y de fotografía de exposición. Para adaptarse al formato, se puede extender de forma natural el cielo, el suelo o el fondo del entorno, pero sin estirar, distorsionar ni alterar el sujeto. La mitad inferior extrae el **sujeto, el contorno, la pose y la relación narrativa** más reconocibles de la foto, comprimiendo la información compleja en un único anclaje visual, reconstruido como un póster de serigrafía minimalista e impresión en semitono. No copies la foto ni añadas detalles ilustrativos ricos; conserva solo la forma, la acción o la relación espacial más esencial, de modo que el sujeto siga siendo reconocible de un vistazo con la mínima información. La composición sigue “**un sujeto, una dirección, una relación espacial**”. El sujeto suele mantener una escala reducida, con amplias áreas de espacio en blanco que crean sensación de distancia y poesía; según la relación de la propia imagen original, elige solo una estructura más natural: extensión horizontal, prolongación vertical, suspensión aislada, disipación hacia afuera o profundidad de lo claro a lo oscuro, sin usar varias técnicas de composición a la vez. Se puede usar una línea del horizonte, un borde, una sombra o una franja de semitono para establecer el espacio, dejando que el propio vacío sea el componente principal de la imagen. La paleta no copia directamente la foto, sino que extrae de la imagen original la temperatura de color, el brillo y la emoción generales, reorganizándolos en un sistema limitado de colores especiales de **color de fondo del papel + color de tinta principal + color de la capa de niebla**. Usa blanco crema, gris cálido o color natural de papel para las amplias áreas en blanco, un color síntesis sereno y con peso como tinta principal, y un color más claro y grisáceo de la misma familia para representar el aire, la distancia o las capas. Mantén el total en 2–3 colores, estableciendo capas por área de color, brillo y densidad de semitono, permitiendo un mínimo punto de color solo cuando haya un significado narrativo claro. Toda niebla, distancia, sombra, disipación y transición espacial usan **puntos de semitono que se desvanecen de forma natural de lo denso a lo escaso**, sin desenfoque digital ni degradado común. Conserva el grano del papel, la tinta serigráfica, el leve desvío de sobreimpresión y la entintado irregular, para que la imagen parezca un verdadero grabado artístico impreso en papel antiguo. **Conserva un pequeño sistema de texto decorativo con sensación editorial sofisticada.** No te limites a nombres de lugares; genera títulos en inglés muy cortos a partir del tema, la emoción, el tiempo, la acción, la textura, la distancia o la metáfora de la foto, acompañados de microtexto secundario, numeración, año, número de capítulo, números tipo coordenadas, marcas de archivo o una frase discreta en inglés. El texto puede ser algo abstracto, literario y con tono curatorial, sin explicar del todo la imagen, por ejemplo sobre conceptos como “distancia, quietud, paso, eco, frontera, tiempo, luz, huella”, para que parezca una nota editorial de un libro de arte, revista de arquitectura o exposición independiente. El texto en sí debe participar de la composición, y no pegarse en el espacio en blanco en posproducción. Las letras pequeñas pueden **alinearse a la línea del horizonte, seguir el contorno del sujeto, convertirse en un eje visual vertical, cruzar el borde del semitono, esconderse en la forma negativa, o tener relaciones de oclusión, entrelazado, interrupción y alineación con el sujeto**; también se puede establecer ritmo con líneas verticales finísimas, trazos cortos, numeración, símbolos con sensación de número de página y amplias áreas en blanco. Se permite que una palabra se separe, se disponga verticalmente, con espaciado abierto o parcialmente cubierta por un gráfico, manteniendo siempre el orden de lectura. La jerarquía del texto permanece contenida: **un título principal muy corto + 1–3 grupos de texto auxiliar muy pequeño**. Las fuentes se refieren a publicaciones de arte sofisticadas y al diseño editorial modernista, usando sans-serif contenida, serif suave o tipos estrechos minimalistas, creando refinamiento mediante contrastes extremos de tamaño, espaciado amplio, peso fino, superíndice/subíndice, versalitas y maquetación asimétrica. El color del texto se unifica con la tinta principal o el color de la niebla, pudiendo tener leve desplazamiento de sobreimpresión y grano de tinta, de modo que texto y gráfico pertenezcan a la misma impresión, y no a una capa digital superpuesta. El conjunto busca **poquísimos elementos, inmenso espacio en blanco, sujeto mínimo, orden intenso y una intervención textual sutil e inteligente**, presentando algo silencioso, solitario, vasto, contenido, poético, intelectual y de colección. Evita composiciones complejas, múltiples focos, adornos sin sentido, títulos grandes que dominen la imagen, textos publicitarios comerciales, degradados comunes, filtros retro baratos y sensación de plantilla.