A partir de la imagen de pintura clásica china subida por el usuario, crea una fotografía de nivel coleccionable, real y capturada por un fotógrafo de élite. No interpretes la tarea como "convertir la pintura en foto", ni prolongues el estilo superficial de tinta, pintura meticulosa, mural o imagen religiosa; trata la pintura antigua como una refinación, selección, compresión y recomposición del mundo real hecha por el creador antiguo, y restaura la escena que él realmente vio: como si, de haber una cámara en aquella época, esta escena se captara así. La obra final debe tener el acabado de un cuadro cinematográfico digno del Óscar: como un director premiado de Hollywood que, con altísimo juicio visual, coordina narrativa, composición, ritmo, atmósfera, luz, escenario y lenguaje de cámara; y como si la fotografía de cine de élite, el control de luz natural, la construcción de escenario histórico, vestuario/maquillaje/atrezo, escenografía y sistema de colorización sirvieran todos al mismo objetivo de imagen, formando una textura cinematográfica capaz de ganar premios. Pero esto es solo el estándar creativo de bastidores y la altura estética; jamás deben aparecer en la imagen elementos modernos de set, director, fotógrafo, iluminador, equipo, cámara, soportes de luz, raíles, reflectores, monitores, rastros de escenografía moderna ni sensación de estudio artificial. La imagen debe parecer un escenario histórico real captado por una cámara de cine de élite, no un equipo moderno rodando. Primero comprende de verdad la obra original. Prioriza identificar título, colofones, firma, sellos, inscripciones y textos visibles, y juzga el tema combinando motivos tradicionales, orden compositivo, relaciones entre objetos y contexto de la imagen, sin suponer solo por el contorno superficial. Ante obras de estilo libre, tinta vertida, sin contorno (mogu), abstractas, parciales o muy sintetizadas, confirma primero el objeto y escenario reales a los que apuntan en la tradición de la pintura china, evitando errar el tema. Tras anclar el tema, entra en la restauración de la "realidad de origen", no en la continuación del "estilo pictórico". No copies pinceladas, no mantengas la sensación de papel, de rollo, la textura de la tinta ni la forma plana como piel visual; restaura montañas, vegetación, nubes y agua, flores y pájaros, figuras, objetos, arquitectura, clima, hora, espacio y distancia realmente existentes. El pincel, color, espacio en blanco, ritmo y resonancia de la obra original no son el estilo final en sí, sino pistas para hallar la escena real. Preserva la estructura espiritual más central de la obra: relaciones entre objetos, centro visual, densidad y dispersión, distribución de lleno y vacío, respiración del vacío, proporción de quietud y movimiento, y la dirección de "espíritu, energía, hueso, ímpetu"; pero no copies mecánicamente el contorno. Parte de "cómo existiría este tema en la realidad" y luego usa el orden de la pintura antigua para restringir la generación de la imagen. La imagen final no solo debe restaurar, sino convertirse en una obra con verdadera altura estética fotográfica y cinematográfica: con un núcleo visual claro, intenso e inolvidable, con luz, color, aire, acción o postura que solo se sostienen en este instante, con puesta en escena de nivel de director y ángulos, distancias, elecciones y mirada activamente seleccionados por el fotógrafo, en vez de una restauración media, plana, correcta pero mediocre. La sensación cinematográfica de la imagen debe venir del interior del mundo real, no de filtros baratos ni efectos exagerados. El escenario debe parecer rigurosamente elaborado por un sistema de arte de cine histórico de élite: relieve, arquitectura, vegetación, objetos, telas, caminos, fuerza del agua, humo, polvo, estación y marcas de época, todos naturales y creíbles; cada detalle sirve al sujeto, al espacio y a la emoción, no acumula adorno. La sensación de escenario debe esconderse en el realismo, como un mundo antiguo que siempre existió, no un estudio montado. Siempre que aparezcan figuras, formas humanas, Buda, bodhisattvas, arhats, inmortales, sirvientes, niños, monjes, damas, eruditos, etc. como sujetos, a menos que la obra original represente claramente escultura, modelado en barro, talla en piedra, imagen dorada, imagen votiva u otra estatua física, restáuralos prioritariamente como personas reales y vivas, no con sensación de cerámica, barro, jade, madera tallada, metal, mural o imagen sacra plana. Las figuras deben tener piel, estructura ósea, volumen, tela, expresión, postura, sensación de respiración, ocupación de espacio y relación natural con la luz reales; acción, gesto, mirada, centro de gravedad, pliegues de ropa y uso de atrezo deben condecir con el contexto de la obra y la lógica de la vida real, sin pose rígida, sin parecer modelo o muñeco. Si la obra es de hecho sobre estatuaria, restáurala fielmente como entidad escultórica real, mostrando material, volumen, marcas de época y luz ambiente. El color debe elevarse como foco. No tomes el color pintado por el artista como única respuesta, ni hagas solo color natural común. Para los colores explícitos, entiende qué enfatizan; para los no pintados explícitamente, restaura activamente su lógica latente. El color de la obra original es solo la base, no el límite. Parte del mundo real y reconstruye las relaciones cromáticas que la escena debería tener, integrando la presentación de la fotografía moderna de élite, sistema óptico cinematográfico y colorización de nivel Óscar: mejor rango dinámico, separación de color más limpia, transiciones cálido-frío más sutiles, capas intermedias más ricas, color del aire más translúcido, control de saturación más contenido y sofisticado. Deja que luz-color, color de objetos, color ambiente y color del aire del mundo real nutran mutuamente la conciencia cromática de la pintura china, para que la imagen sea fiel al espíritu original y tenga expresividad cromática de dimensión superior. El color no puede faltar, ser rígido, sucio-grisáceo, apagado ni un borrón oscuro; debe ser límpido, translúcido, vivo, sutil, con respiración y capas, como el mundo captado por cámara y lentes de cine de alta calidad: negros limpios, altas luces nítidas, pureza de color alta sin ser vulgar, aire transparente, progresión en capas, conjunto nítido sin ser plano. La luz debe convertirse en la creación central de la imagen. No dejes la imagen insípida solo porque la pintura original no dibujó claramente la luz; ni uses iluminación dramática dura, exagerada, de estudio. Según tema, temperamento, sensación de hora, temperatura, relación de movimiento y centro espiritual de la obra, busca activamente la luz natural de nivel cinematográfico más adecuada: puede ser luz tenue de la mañana, brillo del crepúsculo, luz difusa tras la lluvia, luz a través de la niebla, reflejo en el agua, reflejo de la nieve, luz lateral de ventana, luz colada entre árboles, luz oscura de salón, o luz suave filtrada por el aire. La luz debe parecer diseñada y controlada a altísimo nivel, pero al final totalmente oculta como luz natural del lugar; no necesita ser intensa, pero sí magistral; no necesita ser ruidosa, pero debe tener dirección, capas y respiración, capaz de moldear volumen, despertar materiales, establecer espacio, guiar la mirada, sostener al sujeto y formar verdadera tensión emocional sofisticada. La buena fotografía y el buen cuadro cinematográfico no aceptan luz mediocre. El realismo debe venir de un set fotográfico creíble: aire, humedad, temperatura, reflejo, refracción, material, profundidad de campo, distancia, micropartículas, atenuación de borde y capas de detalle sosteniéndose juntos. El lenguaje de cámara debe tener sentido de elección cinematográfico: altura adecuada de cámara, compresión de distancia focal o apertura de espacio, relación de planos frontal/medio/fondo, control de profundidad, puesta en escena del sujeto, punto de caída de la luz y conducción de la mirada, todo al servicio de la estructura espiritual de la obra. Evita sensación de espécimen sobre fondo blanco, flotación, apariencia CG, plástico, suciedad, decadencia grisácea, falso HDR, falsa profundidad, nitidez excesiva, filtros de influencer, falso estilo antiguo barato, arte conceptual de juego y aire de foto promocional de turismo. La imagen debe ser nítida, translúcida, agradable de mirar, con acabado sofisticado, no sucia, borrosa ni falsamente profunda. Si hay colofones, inscripciones, firma, sellos o款 en la obra original, presérvalos al máximo y reintégralos en la imagen final. Prioriza preservar contenido legible, dirección de escritura, relación de posición y atmósfera general; si no se puede identificar del todo, prolonga la estructura, el espacio en blanco y el carácter de la firma literaria, para que parezcan parte naturalmente firmada tras concluir la obra, coexistiendo con la imagen fotográfica, no un adorno superpuesto de forma dura en posproducción. No preserves marcas de agua modernas, logos de enciclopedia, logos de web, códigos QR, firmas modernas ni textos irrelevantes. La proporción de la imagen sigue por defecto la proporción de la imagen original, para preservar la respiración, orden y centro de la composición original; si el usuario tiene una exigencia clara de proporción, prioriza la exigencia del usuario. El objetivo final no es "fotografía que parece pintura china", ni "ilustración de tinta realista", sino una obra que verdaderamente restaure el mundo ante los ojos del creador antiguo, al tiempo sublimada por conciencia de director de nivel Óscar, fotografía de cine de élite, construcción de escenario histórico, control de luz natural y estética óptica moderna de gama alta: real, translúcida, sutil, contenida, creíble, con luz no mediocre, color no mediocre, sensación de aire límpida, punto de memoria marcado, tensión narrativa cinematográfica y acabado coleccionable, como si la realidad tras la pintura antigua por fin se viera de nuevo y, por primera vez, se fotografiara de la mejor manera.