Com base na imagem de pintura clássica chinesa enviada pelo usuário, crie uma fotografia de nível colecionável, real e capturada por um fotógrafo de elite. Não interprete a tarefa como "transformar a pintura em foto", nem prolongue o estilo superficial de tinta, pintura meticulosa, mural ou imagem religiosa; trate a pintura antiga como uma refinação, seleção, compressão e recomposição do mundo real feita pelo criador antigo, e restaure de volta a cena que ele realmente viu: como se, se houvesse uma câmera naquela época, esta cena fosse assim capturada. A obra final deve ter o acabamento de um quadro cinematográfico digno do Oscar: como um diretor premiado de Hollywood que, com altíssimo julgamento visual, coordena narrativa, composição, ritmo, atmosfera, luz, cenário e linguagem de câmera; e como se fotografia de cinema de elite, controle de luz natural, construção de cenário histórico, figurino/maquiagem/adereços, cenografia e sistema de colorização servissem todos ao mesmo objetivo de imagem, formando uma textura cinematográfica capaz de ganhar prêmios. Mas isso é apenas o padrão criativo de bastidores e a altura estética; jamais devem aparecer na imagem quaisquer elementos modernos de set, diretor, fotógrafo, iluminador, equipe, câmera, suportes de luz, trilhos, rebatedores, monitores, vestígios de cenografia moderna ou sensação de estúdio artificial. A imagem deve parecer um cenário histórico real capturado por uma câmera de cinema de elite, não uma equipe moderna filmando. Primeiro compreenda verdadeiramente a obra original. Priorize identificar título, colofões, assinatura, selos, inscrições e textos visíveis, e julgue o tema combinando motivos tradicionais, ordem compositiva, relações entre objetos e contexto da imagem, sem supor apenas pelo contorno superficial. Diante de obras de estilo livre, tinta derramada, sem contorno (mogu), abstratas, parciais ou altamente sintetizadas, também confirme primeiro o objeto e cenário reais a que apontam na tradição da pintura chinesa, evitando erro de tema. Após ancorar o tema, entre na restauração da "realidade de origem", não na continuação do "estilo pictórico". Não copie pinceladas, não mantenha a sensação de papel, de rolo, a textura da tinta ou a forma plana como pele visual; restaure montanhas, vegetação, nuvens e água, flores e pássaros, figuras, objetos, arquitetura, clima, hora, espaço e distância realmente existentes. Pincel, cor, espaço em branco, ritmo e ressonância da obra original não são o estilo final em si, mas pistas para encontrar a cena real. Preserve a estrutura espiritual mais central da obra: relações entre objetos, centro visual, densidade e dispersão, distribuição de cheio e vazio, respiração do vazio, proporção de quietude e movimento, e a direção de "espírito, energia, osso, ímpeto"; mas não copie mecanicamente o contorno. Parta de "como este tema existiria na realidade" e então use a ordem da pintura antiga para restringir a geração da imagem. A imagem final não deve apenas restaurar, mas tornar-se uma obra com verdadeira altura estética fotográfica e cinematográfica: com um núcleo visual claro, intenso e inesquecível, com luz, cor, ar, ação ou postura que só se sustentam neste instante, com encenação de nível de diretor e ângulos, distâncias, escolhas e olhar ativamente selecionados pelo fotógrafo, em vez de uma restauração média, plana, correta porém medíocre. O senso cinematográfico da imagem deve vir de dentro do mundo real, não de filtros baratos ou efeitos exagerados. O cenário deve parecer rigorosamente elaborado por um sistema de arte de cinema histórico de elite: relevo, arquitetura, vegetação, objetos, tecidos, estradas, força da água, fumaça, poeira, estação e marcas de época, todos naturais e críveis; cada detalhe serve ao sujeito, ao espaço e à emoção, não acumula ornamento. A sensação de cenário deve estar escondida na realidade, como um mundo antigo que sempre existiu, não um estúdio montado. Sempre que aparecerem figuras, formas humanas, Buda, bodhisattvas, arhats, imortais, ajudantes, meninos, monges, damas, eruditos etc. como sujeitos, a menos que a obra original retrate claramente escultura, modelagem em barro, entalhe em pedra, imagem dourada, imagem votiva ou outra estátua física, restaure-os prioritariamente como pessoas reais e vivas, não com sensação de cerâmica, barro, jade, madeira entalhada, metal, mural ou imagem sacra plana. As figuras devem ter pele, estrutura óssea, volume, tecido, expressão, postura, sensação de respiração, ocupação de espaço e relação natural com a luz reais; ação, gesto, olhar, centro de gravidade, dobras de roupa e uso de adereços devem condizer com o contexto da obra e a lógica da vida real, sem pose rígida, sem parecer modelo ou boneco. Se a obra for de fato sobre estatuária, restaure fielmente como entidade escultórica real, mostrando material, volume, marcas de época e luz ambiente. A cor deve ser elevada como foco. Não tome a cor pintada pelo artista como única resposta, nem faça apenas cor natural comum. Para as cores explícitas na imagem, entenda o que enfatizam; para as cores não explicitamente pintadas, restaure ativamente sua lógica latente. A cor da obra original é apenas a base, não o limite. Parta do mundo real e reconstrua as relações cromáticas que a cena deveria ter, integrando a apresentação da fotografia moderna de elite, sistema óptico cinematográfico e colorização de nível Oscar: melhor faixa dinâmica, separação de cor mais limpa, transições quente-frio mais sutis, camadas intermediárias mais ricas, cor do ar mais translúcida, controle de saturação mais contido e sofisticado. Deixe luz-cor, cor dos objetos, cor ambiente e cor do ar do mundo real nutrirem mutuamente a consciência cromática da pintura chinesa, para que a imagem seja fiel ao espírito original e tenha expressividade cromática de dimensão superior. A cor não pode faltar, ser rígida, suja-acinzentada, abafada ou um borrão escuro; deve ser límpida, translúcida, viva, sutil, com respiração e camadas, como o mundo captado por câmera e lentes de cinema de alta qualidade: pretos limpos, altas luzes nítidas, pureza de cor alta sem ser vulgar, ar transparente, progressão em camadas, conjunto nítido sem ser raso. A luz deve tornar-se a criação central da imagem. Não deixe a imagem insípida só porque a pintura original não desenhou claramente a luz; nem use iluminação dramática dura, exagerada, de estúdio. Conforme tema, temperamento, sensação de hora, temperatura, relação de movimento e centro espiritual da obra, busque ativamente a luz natural de nível cinematográfico mais adequada: pode ser luz fina da manhã, brilho do crepúsculo, luz difusa após chuva, luz através da névoa, reflexo na água, reflexo da neve, luz lateral de janela, luz coada entre árvores, luz escura de salão, ou luz suave filtrada pelo ar. A luz deve parecer projetada e controlada em altíssimo nível, mas no fim totalmente oculta como luz natural do local; não precisa ser intensa, mas precisa ser magistral; não precisa ser ruidosa, mas precisa ter direção, camadas e respiração, capaz de moldar volume, despertar materiais, estabelecer espaço, guiar o olhar, sustentar o sujeito e formar verdadeira tensão emocional sofisticada. Boa fotografia e bom quadro cinematográfico não aceitam luz medíocre. O realismo deve vir de um set fotográfico crível: ar, umidade, temperatura, reflexo, refração, material, profundidade de campo, distância, micropartículas, atenuação de borda e camadas de detalhe se sustentando juntos. A linguagem de câmera deve ter senso de escolha cinematográfico: altura adequada de câmera, compressão de distância focal ou abertura de espaço, relação de planos frontal/médio/fundo, controle de profundidade, encenação do sujeito, ponto de queda da luz e condução do olhar, tudo servindo à estrutura espiritual da obra. Evite sensação de espécime sobre fundo branco, flutuação, aparência CG, plástico, sujeira, decadência acinzentada, falso HDR, falsa profundidade, nitidez excessiva, filtros de influencer, falso estilo antigo barato, arte conceitual de jogo e ar de foto promocional de turismo. A imagem deve ser nítida, translúcida, agradável de olhar, com acabamento sofisticado, não suja, borrada ou falsamente profunda. Se houver colofões, inscrições, assinatura, selos ou款 na obra original, preserve-os ao máximo e reintegre-os na imagem final. Priorize preservar conteúdo legível, direção da escrita, relação de posição e atmosfera geral; se não for possível identificar totalmente, prolongue a estrutura, o espaço em branco e o caráter da assinatura literária, para que pareçam parte naturalmente assinada após a conclusão da obra, coexistindo com a imagem fotográfica, não um ornamento sobreposto de forma dura na pós-produção. Não preserve marcas d'água modernas, logos de enciclopédia, logos de site, QR codes, assinaturas modernas ou textos irrelevantes. A proporção da imagem segue por padrão a proporção da imagem original, para preservar a respiração, ordem e centro da composição original; se o usuário tiver uma exigência clara de proporção, priorize a exigência do usuário. O objetivo final não é "fotografia que parece pintura chinesa", nem "ilustração de tinta realista", mas uma obra que verdadeiramente restaure o mundo diante dos olhos do criador antigo, ao mesmo tempo sublimada por consciência de diretor de nível Oscar, fotografia de cinema de elite, construção de cenário histórico, controle de luz natural e estética óptica moderna de ponta: real, translúcida, sutil, contida, crível, com luz não medíocre, cor não medíocre, sensação de ar límpida, ponto de memória marcante, tensão narrativa cinematográfica e acabamento colecionável, como se a realidade por trás da pintura antiga finalmente fosse vista de novo e, pela primeira vez, fotografada da melhor maneira.